El dios Xolotl es presentado en este video performance como un axolote forzado a salir de su hábitat a causa de la contaminación provocada por la sobreproducción de plástico de los humanos. Una vez fuera del agua este muta en un humanoide al vestirse de rojo, símbolo de sufrimiento y de la sangre derramada en las guerras a causa de los intereses por el petróleo. Caminando por el laberinto de la ciudad desata su magia hasta finalmente evolucionar nuevamente en un axolote adaptado a la tierra. Con sus actos hace hincapié en la relación plástico/agua y busca alertar a la humanidad sobre guerras venideras, que no serán por el dominio del petróleo sino del agua potable, elemento vital para la supervivencia de la Quinta Humanidad y que cada vez escasea más por la polución.

Marina Barsy es egresada de historia del arte y lenguas modernas de la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras. Fue miembro de la compañía de baile Hincapié y colaboradora de Asuntos Efímeros. En el 2012 participó con varios performances en actividades de Tacheles Kunsthaus, Berlin. Actualmente trabaja en la colección de arte latinoamericano de Essex (ESCALA), ofrece talleres performáticos en el museo Firstsite y estudia curaduría de arte latinoamericano en la Universidad de Essex, Reino Unido.

Xolotl será presentado este verano 2013 en una actividad asociada al museo Firstsite en Colchester, Reino Unido.

Concepto, dirección y performance: Marina Barsy

Cámara y edición: Joellenne Silver

Cámara: Sara Rico

Música: Polarsolaris

“Todo el proceso desde el donativo de la escultura hasta su instalacion en Ponce ha sido documentado en video por Sonia Fritz y proximamente cuando concluya su edicion se presentara al publico. La labor de Sonia Fritz, cuya trayectoria es muy conocida, es una de excelencia, y cuando este listo el producto final asi se comprabara. El video que ha circulado por You Tube, y el cual se comenta en la nota, fue preparado por un grupo de empleados del Museo que estaban muy emocionados con la llegada de la obra, como todos nosotros los que laboraoms alli, y quisieron compartir esa emocion de la escultura y de la Reapertura tomando parte de las tomas aereas que se hicieron desde un helicoptero (todo donado por un fanatico del arte, mecenas del Museo y entusiasta de Lichtenstein) y algunas fotos tomadas tambien por los propios empleados, montadas en un video/slide show”. 30/nov/10 8:24pm

A casi 2 años del “post” sigo esperando la publicación del video dirigido y editado por Sonia Frizt. Es más, no les miento, lo había olvidado por completo pero luego de una bonita conversación con un amigo, lo recordé… lo busqué en la página del Museo, en Google, en Youtube, en Vimeo y no encontré nada. Por favor, si alguien sabe de su paradero, comuníquese con esta servidora ya que 19 meses es suficiente para editarlo y presentarlo al público.

¡Saludos!

En esta conversación Awilda y Dama relatan como surgió el proyecto, nos cuentan un poquito de ellas y de sus intenciones.  Puedes ver aquí el video de promo dirigido por Carla Cavina y música de Dj Nature.  Progesterona Tropical!!!

La Trienal Poli/gráfica es un evento oficial del Gobierno de Puerto Rico, dirigido por el Instituto de Cultura Puertorriqueña y coordinado por su Programa de Artes Plásticas, mediante el cual se promueven las prácticas experimentales del arte contemporáneo con énfasis en el grabado y sus múltiples manifestaciones.

El fin de semana inaugural contará con tres actos en los diferentes centros de exhibición desde mañana viernes 27 de abril a las 6pm.

Itinerario:

viernes, 27 de abril 

- 6:00 – 9:00pm – Apertura en las salas de exhibiciones de la Galería Nacional, Casa Blanca y la Casa de los Contrafuertes.Casa de los Contrafuertes

Sección de Arte sonoro por:

Neutrópico (funk improv)

Jorge Santana (ambient, soundscapes)

Puntito Siniestro

Gunsmoke

Overlord/Magnum

- Colaboración de Awilda Sterling en la instalación de Ana Rosa Rivera en pequeños intervalos hasta las 8pm.

sábado, 28 de abril

7:00 – 10:00pm  Inauguración oficial de la Trienal Poli/gráfica y de los proyectos comisionados en las salas del Antiguo Arsenal de la Marina Española.

domingo, 29 de abril

- 1:00 – 7:00pm  El Caldo de la Perla – Proyecto comunitario de Coco de Oro y Edgardo Larregui en la cancha de tabloncillo de La Perla.

- 9:00 Monólogos – Casa de los Contrafuertes

Teófilo Torres – “¿Qué hago traduciendo a Shakespeare?” de Rafah Acevedo

Mickey Negrón - PonerMickeytarme

El artista Charles Juhasz-Alvarado entiende a los sujetos como fenómenos llenos de energía y utilizará la metáfora del panal de abejas como un ejercicio de colaboración en la Casa de los Contrafuertes en el Viejo San Juan.   “Cuando me invitaron  a participar pensé que lo que debía hacer era desdoblar la invitación y abrírsela a la mayor cantidad de gente posible.  Le comenté al escritor Néstor Barreto de Colección Maravilla, para que me ayudara en la búsqueda y organización de propuestas.”

Charles es el coordinador del proyecto y colocará ciertos elementos escultóricos  a través de los espacios de exposición en la casa.  “Mi idea es que esto sea un espacio de todos nosotros por este tiempo.  Solaparemos, aprenderemos unos de los otros  y será un espacio donde se trabajará en vivo de maneras bien particulares.”  El público que asista podrá ver, escuchar y sentir como se transformarán las propuestas que ocuparán el espacio durante cinco meses.

Independientemente de todos los cambios que ocurran mediante su duración, la base constante y firme del proyecto serán los artistas trabajando.  Néstor Barreto, director de la editorial independiente Colección Maravilla nos comentó: “La tesis del proyecto es que la suma de todas las iniciativas individuales conformen un movimiento colectivo.  Hay algo que pasará que ese colectivo no tiene conciencia… No tiene conciencia de su poder, no tiene conciencia de su alcance, por lo que será un fenómeno de cooperación y colaboración.  Nosotros estamos diciendo, aquí están  esos independientes pero aún en esa independencia tienen que colaborar.   Eso es lo que queremos dramatizar y poner en evidencia.”

Las partes del proyecto fueron denominadas como situaciones objetuales, performativas, sala de lecturas, audiovideo, arquitectura, fotografía y bitácora.  “Nosotros hicimos un esqueleto conceptual para ver quien quiere suscribirse a ese esquelto.  Vamos a crear distintas situaciones que permitan el funcionamiento casi autónomo de un organismo casi autónomo.  Esa es la teoría, veremos entonces qué se dará en la práctica…  Tenemos cinco meses de práctica para evidenciar si efectivamente los independientes son una categoría real.” comentó Néstor Barreto.

Como objeto esencial de este espacio, el actor  Teófilo Torres quien también es apicultor, colocará dentro del edificio una colmena llena de abejas que estará dentro de una caja de acrílico.  La caja contendrá varios tubos que darán hacia el exterior de la casa y permitirán la entrada y salida de las abejas.  Por otro lado, el artista sonoro Fabián Wilkins le colocará varios sensores a la caja que contendrá la colmena.  Estos sensores traducirán el ruido a diferentes sonidos que Fabián controlará desde un estudio de grabación.  También el estudio permanecerá abierto para que músicos y público en general pueda interactuar en la creación de composiciones. 

Por otro lado, otro de los nódulos del proyecto lo será una sala de lecturas diseñada por Charles Juhasz que contendrá publicaciones de varias editoriales independientes que han laborado incluso algunas de ellas por los últimos 30 años.  Entre las editoriales que participarán se encuentran Quimera Editores, Carimar, Cuadernos de la Iguana, La Secta de los Perros, Boreales, Fragmento Imán y Folium.

Un aspecto retante del proyecto es que este se desarrollará sin presupuesto alguno.  “Lo único que estamos presupuestando es el ademán creativo a través de lo que esperamos sea un ejercicio de libertad.  La palabra independiente contiene en sí misma el concepto de libertad, y eso es lo que estamos esperando conocer, cuántas interpretaciones pueden haber del concepto, cuántas posibilidades de libertad pueden ocurrir.” comentó Néstor Barreto.

El pasado 24 y 25 de marzo se abrieron las puertas del espacio Vueltabajo Teatro en el barrio de Pobla Sec, Barcelona. Este espacio alternativo es un proyecto originario de los puertorriqueños Eury G. Orsini, Zuleira Soto-Román y el español Carlos Carbajo. A éstos se une la colaboración y asistencia de Luisfe Rivera, otro boricua en el exilio. Tanto Eury y Zuleira como Luisfe formaron parte del grupo Casa Cruz de la Luna dirigido por Aravind Adyanthaya en San Germán, Puerto Rico.

El rústico espacio se inauguró con la pieza teatral ¨Lagrimas de Oro¨ de Alejandro Jodorowsky. Esta pieza performática encarna el uso de video montajes, video escritura, uso de máscaras, telas, sombras, props excéntricos (comida/peluches/cadaver de animal), música en vivo y demás. El pequeño espacio es transformado en una carga entre lo caótico y lo cotidiano con múltiples referencias a lo palpablemente grotesco tanto en un plano terrenal como en el inconsciente onírico del personaje.

Sostenida de un rico surtido de imágenes, la pieza narra la historia de un niño, Dominguito, que una mañana despertó llorando lágrimas de oro. Una alta dimensión psicológica y onírica propia del trabajo de Jodorowsky es plasmada por los actores a través de violentas imágenes referentes a la sexualidad del niño entremezcladas con una problemática familiar. Máscaras de doble cara representan a los miembros de la familia que envuelven al personaje en negras telas y grandes manos, obligándolo a soñar. Los tres actores: Zuleira Soto-Román, Carlos Carbajo y Montse Grifoll se van turnando el rol del niño a través de toda la obra y, en ocasiones, lo representan simultáneamente. Con movimientos repetitivos que varían en velocidad los actores recrean un ambiente de caos interior. El niño es agredido por los miembros de su familia que desean su llanto dorado. En escena se convierten en entes salvajes que se nutren de lo que parecen ser sus desechos fecales. Dominguito comienza a sentir afición al dolor físico y sus lágrimas se detienen. La familia, ante el masoquismo del niño, decide sacrificar a su conejito. Una sombra monstruosa despelleja a un indefenso animal que luego es revelado al público y colgado a la vista de todos. El cadáver permanece el resto de la obra colgado pata abajo como hito de la avariciosa crueldad humana. La familia intenta todo para que continúe el llanto del cual se lucran. Los entes salvajes descuartizan peluches y de éstos salpican sus entrañas. Algunas llegan hasta el público y se descubre que son fideos. Una ominosa figura con cara de conejo aparece en el piso superior del escenario mientras ocurren proyecciones de video que muestran a los personajes en un entorno urbano. Finalmente, en un intento de integrar al público, el niño nos ofrece su miel, la que ahora nace de sus lágrimas y promete vida eterna. El espectador es cómplice y causante del dolor del niño. El alimento divino de su miel provoca la muerte: la de su familia y la del público.

A través de toda la pieza el recurso del video escritura y la voz en off de Eury Orsini cuajaron la narrativa de la pieza. Con una estética de lo grotesco, esta pieza para algunos pudo haber sido difícil de digerir. La barrera entre público y actores era prácticamente invisible. El espectador realmente fue invitado a vivenciar el espacio y sus delirios.

Con este ecléctico trabajo Vueltabajo Teatro comienza su jornada.

¡Esperamos que sea una larga y exitosa!

¡Enhorabuena!

El LAB es un centro interdisciplinario dedicado al desarrollo de fórmulas y soluciones innovadoras de diseño y fabricación digital de productos y servicios.  Se dedican a idear y construir objetos y espacios, como instalaciones, mobiliario, componentes arquitectónicos y superficies complejas.  En el LAB los artistas pueden consultar sus proyectos y llegar a materializar sus ideas con la ayuda y el equipo necesario.

Puedes accesar más información y documentación de sus proyectos aquí.

Parece que Tomás Rivera Shatz es la figura cultural del mes, y aunque pudiese parecer que sí,  no voy a hablar del Museo de Arte de Ponce.  Hablaré sobre la legislación que él presentó en septiembre y que Fortuño firmó la semana pasada, acompañado por un sonriente Glenn Monroig.  La misma sustituye la “Ley de Propiedad Intelectual” de Julio 15, 1988, Núm 96, ¿recuerdan?, la del mítico 5% destinado a los artistas sobre el aumento del valor de su obra cuando era revendida.

Ahora la ley se llama “Ley de Derechos Morales de Autor de Puerto Rico”.  La lógica de la ley es que, como los derechos patrimoniales (a.k.a. copyrights) están regulados por legislación federal, el gobierno local va a regular exclusivamente los derechos morales.  El resultado final es como si metieras en una batidora la pasada ley, los casos que la interpretan y una traducción parcial del Visual Artists Rights Act esperando un resultado coherente.

Aunque en la exposición de motivos se menciona que se desea actualizar la ley para hacerla más relevante a nuestra época, el lenguaje que se utiliza deja sin protección a diferentes manifestaciones dentro del arte contemporáneo.  En mi opinión, la nueva ley elimina o restringe más derechos de los que otorga, especialmente a los artistas plásticos.  Queda mucho por analizar en cuanto al impacto que tendrá esta nueva ley en los diferentes campos artísticos, de dónde surge la propuesta para dar paso a la misma y su efecto sobre las licencias Creative Commons.  Por el momento nos limitamos a delinear los cambios más relevantes para comenzar el diálogo.

¿Qué cambió?

1- Se eliminó el “droit de suit”: Hasta la semana pasada los artistas plásticos tenían derecho a recibir el 5% del aumento de valor de su obra cuando ésta era revendida.  Este es un derecho de avanzada que muchos países están adoptando, en Puerto Rico existía desde el 1988.  Este derecho aplicaba a toda obra de arte, a diferencia de la ley de “droit de suit” de California que excluye el grabado, entre otros medios.  La ley de Puerto Rico tampoco imponía una cantidad mínima de precio de venta para activar el derecho, ni exigía que la venta se hiciera en un contexto comercial utilizando un art dealer, como lo hace la Unión Europea.

2- Establece cómo surgen los derechos morales:  En la anterior ley no se especificaba cómo surgían estos derechos, simplemente eran inherentes a la existencia de las obras.  La nueva ley establece que los derechos surgen cuando el artista “fija” la obra “original” en un “medio tangible de expresión”.  Las dificultades que este lenguaje puede traer al arte contemporáneo son evidentes.  Por ejemplo, ¿un artista tiene derecho de atribución sobre su performance?

3- Define el derecho de atribución:  El artista tiene derecho a que se le reconozca como autor y  que no se le atribuyan obras que no son suyas.  También tiene derecho a decidir si la publicación de la obra debe hacerse a su nombre, bajo un pseudónimo o anónimamente.

4- Define el derecho de retracto:  En un acercamiento más restrictivo que la ley anterior, el artista tiene derecho a renunciar a la autoría de la obra cuando la obra ya no coincida con sus convicciones “morales” o “intelectuales”.  Anteriormente el derecho a retractar la autoría de una obra era la prerrogativa exclusiva del artista.

5- Define el derecho de integridad: El artista tiene derecho a impedir la alteración, deformación o mutilación de la obra en un modo que resulte en menoscabo de sus legítimos intereses o su reputación.  También tiene derecho a impedir la presentación pública de una obra alterada, deformada o manipulada de modo  que resulte en menoscabo de sus legítimos intereses o su reputación.  Por último, tiene derecho a impedir la destrucción intencional o negligente de la obra original.  Esta última protección amplia los derechos del artista en comparación con el Visual Artists Rights Act que sólo impide la destrucción de obras de “estatura reconocida”.  Sin embargo, cabe cuestionar hasta qué punto un artista podría oponerse a la modificación o presentación de su obra alterada cuando tiene que demostrar que ésto es contrario a sus intereses o reputación.  Anteriormente el texto de la ley otorgaba el derecho a la integridad sin limitaciones.

6- Establece el derecho de acceso: Le permite al artista accesar la obra cuando esté en poder de otro, para ejercer cualquiera de sus derechos.

7-  Duración: Anteriormente los derechos duraban la vida del autor y durante 50 años luego de su muerte.  Con la nueva ley estos duran la vida del autor y 70 años luego de su muerte o hasta que la obra entre al dominio público; lo que pase primero.

8- Herencia: Bajo la ley anterior, cuando el autor moría los derechos pasaban automáticamente a sus sucesores.  En la actualidad el autor puede designar una persona a quien legarle sus derechos, de no hacerlo pasan a sus herederos.  El derecho de retracto no se puede ejercer después de la muerte del artista a menos que éste haya dejado autorización por escrito.

9- Renunciabilidad: Originalmente los artistas no podían renunciar a sus derechos morales.  En esta nueva ley se provee la posibilidad de renunciar a su derecho de integridad al firmar un documento en persona o electrónico a estos efectos.  ¿Alguien dijo Creative Commons?

10- Remedios:  Si alguien viola tus derechos morales y tu obra está registrada en el Registro de la Propiedad Intelectual de Puerto Rico puedes demandar y pedir daños estatutarios a discreción de la corte entre $750 y $20,000 y costos de representación legal.  Si no estas registrado como quiera puedes demandar pero tienes que demostrar daños reales para que te paguen.  Para poder hacer esto tienes 3 años, desde que te enteras de la violación o desde que debiste haberte enterado.

El fin de semana del 15 al 19 de febrero se celebró en Madrid la 31ª Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, dirigida por Carlos Urroz quien ha tenido la ardua labor de renovar el prestigio de ARCO este año. Participaron unas 158 galerías de 30 países distribuidas en 2 pabellones. El rico surtido de piezas contó con medios variados que incluyeron desde videomontaje, arte sonoro, obras de índole mecánica, taxidermia, arte con comida, arte con dinero, instalaciones, hasta medios más tradicionales como la escultura, el collage y la fotografía.

Este año el hincapié español apuntalaba hacia la crisis política y económica del país: “Franco ha vuelto” leía una de las pancartas de estudiantes indignados de Valencia. Sin embargo, para el artista Eugenio Merino, Franco no “ha vuelto” sino que  nunca murió, pues  se encuentra congelado en un frigorífico de Coca-Cola en su pieza titulada Always Franco. El Franco hiperrealista de Merino, con una guiñada al humor crítico y crudo, caricaturiza la figura alterando sus proporciones: es cabezón pero con manos de gorrión, pequeñas y delicadas. El público no lo pensó dos veces en hacer turno para tomarse una foto “histórica” y burlona con el ex jefe de estado. Tanta ha sido la polémica creada por la obra que la Fundación Nacional Francisco Franco denunció a ARCO por la “ofensa”. La pieza está valorada en 30,000€

Del catalán Antoni Miralda se presentó la obra No hay pan para tanto chorizo, frase grabada en cuatro hojas hechas de la pasta con la que se preparan las hostias. El fotógrafo Richard Mosse, para resaltar el aspecto bélico de la realidad africana, alteró la naturaleza con tonos rojizos en su serie fotográfica Infra. Se presentó la instalación Carroña del artista vasco Javier Pérez. Ésta, de carácter casi ‘performativo’, representa la caída de un gran candelabro de vidrio rojo; los restos desplomados en el suelo, simulan un charco de sangre que emula a su vez la carroña de algún animal. El impacto de la imagen se intensificaba por una bandada de cuervos, trabajados en taxidermia, que sobrevolaban asechándola. Las críticas económicas no fueron exclusivas de España. El austriaco Rainer Ganahl, utilizando verduras y otros alimentos, denuncia a la banca y pone en evidencia la estrecha relación entre la economía y el poder político. El artista y activista chino, Ai Wei-wei, también presentó con su obra una crítica al actual orden mundial de la distribución de ganancias.

La galería Michael Soskine presentó varias piezas del cubano Abel Barroso, que trabajan el tema de la inmigración utilizando como metáfora los juegos de mesa. Éste representa el ambiente neoyorkino como una tabla de juego para el inmigrante. La galería colombiana El Museo, destacó la fotografía al artista español Juan Francisco Casas, Readymadeirene, en donde revierte la famosa firma de Marcel Duchamp en Fountain escribiéndola en el pubis de una mujer, siendo la “M” de R. Mutt el vello púbico de ésta. Continuando el recorrido, el brasileño Claudio Álvarez nos invita a mirar sus Espacios condensados, una serie de cajas de metal con óculos que permiten espiar adentro en donde se descubre un micro-espacio interior. Del artista Brasileño, José Spaniol, se presentó la serie O descanso da sala en la propone piezas de muebles que se extienden en su forma como espejos de sí mismos. La fotografía escogida de Cristina García captura la esencia de los rituales sacro-religiosos de Haití. Las impactantes imágenes demuestran, con una mezcla entre fotoperiodismo y poesía, las ceremonias de baños de barro en honor a los espíritus guerreros de la tradición Yoruba.

Los “Solo Projects” fueron una innovadora iniciativa de Carlos Urroz para este ARCO 2012 que propone piezas a gran formato. Para los “Solo Projects” de Latinoamérica, Rochelle Costi de Brasil presentó el Stand Party Plates Choreography , pieza cinética de platos y vasos de fiesta sostenidos a una estructura rotativa de metal. La pieza crea un efecto a cámara lenta de una caída que nunca sucede y se convierte en la coreografía de un supuesto caótico. Los platos y vasos utilizados fueron recogidos de una antigua fábrica, un recuerdo colectivo del imaginario brasileño. Diango Hernández, de origen cubano, presenta Los sellos que nunca viajaron, las aves que nunca volaron, una colección de sellos de  la época revolucionaria (1959-1970) que nunca fueron enviados, alusivos a los deseos de viajar imposibilitados para los cubanos bajo el régimen de la Revolución. El  peruano Adan Vallecillo en el contexto de “arte y debate” expone una superficie a gran formato hecha de tubos de bicicleta con los parches expuestos como relieve. Recoge la materialidad de la calle y la expone en el terreno del arte.

Seis artistas urbanos fueron invitados por el periódico El País a participar de un ‘stand’ en ARCO. Esta sección incluía grafiti en aerosol, tendencias renovadoras del uso del cemento, papel origami a gran formato, una recreación de los espacios urbanos alterados y una sección de documentación fotográfica y en video del proceso artístico. El montaje recreaba algunos espacios urbanos como una parada de bus y un cubículo cerrado de ladrillo. Los artistas invitados para esta sección fueron: 3ttman, NEKO, Sixeart, Spok, SUSO33 y Nuria Mora con sus gigantes estructuras de papel.

Nuevas tendencias y materiales fueros explorados. En arte sonoro la propuesta de José Antonio Orts fueron tubos de PVC que al expirar aire producían  sonido, el cual varía según la posición del espectador. Utilizando nuevos medios la obra de Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla se construye en formato de cuadro, utilizando como material placas solares las cuales al parecer resultan utilizables como productoras de electricidad. Joana Vasconcelos forra con tejido a ganchillo esculturas tradicionales del hogar. Tanto la artista valenciana Andrea Canepa como la rusa Marina Alexeeva de La Marina Gisich Gallery combinan la estructura de una casa con un video arte que sucede en el interior, revirtiendo lo doméstico.  De esta ultima galería, localizada en San Petersburgo, también se encontró el impactante trabajo de Vladimir Kustov quien  reproduce hologramas de bebes enfrascados.

En la feria no pudo faltar una que otra pieza de artistas con mayor trayectoria, como esculturas de Pablo Gargallo y una que otra pintura de Salvador Dalí. De la alemana Rebecca Horn había una instalación mecánica de una copa de martini que se movía al costado de un recuadro que a su vez sostenía un teléfono-falo. Del catalán Jaume Plensa se encontraban tanto sus cabezas alargadas de resina como un ejemplar de la figura humana en metal configurada de símbolos. De Marina Abramović, conocida como la “abuela del performance” había una serie de documentación fotográfica de su temprana etapa performativa. Fotos de su Rhythm Series y de Relation in Time (junto a Ulay).

La celebración de la feria ARCO Madrid fue una prueba importante para el mercado del arte español y su capacidad de convocatoria en estos tiempos de economía turbulenta. Las ventas fueron moderadas, por ejemplo, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía adquirió 17 obras correspondientes a 15 artistas, por un valor global de 700.000€. Este año la organización propuso que las galerías escogiesen a un “Artista Destacado”. Además se impulsaron los “Solo Projects: Focus Latinoamerica” en donde 6 curadores eligieron a 22 artistas latinoamericanos para exponer en la feria. Argentina fue el país con más participantes (6 mujeres). Panamá, Costa Rica, México, Brasil, Cuba, Colombia, y Chile fueron algunos de los otros países con representantes en el proyecto. También hubo 22 galerías jóvenes, con menos de siete años de labor, que participaron del “Opening: jóvenes galerías europeas”.

En esta edición de ARCO la vieja Europa “cruza el charco” impulsando el arte latinoamericano. Su presencia se ve realzada tanto en la selección de artistas en algunas galerías españolas como en el antes mencionado proyecto “Solo Projects: Focus Latinoamérica”.  Esto se cree sucede no sólo por el potencial artístico de los artistas sino por el creciente económico de algunos países que conforman la América Latina. Como comenta el puertorriqueño, Gamaliel Rodríguez (quien participó del programa “Sólo Projects” en “Espacio Mínimo”) para la edición de ‘Mercado’ del ABCDARCO, “Es un momento de coyuntura económica en el que las salidas tradicionales se han agotado. Hay que abrir puertas, y buscar esos mercados que han estado relegados”.

Fotografías por Marcos Fernández Marín

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